Adami, un maestro di fama internazionale, è diventato negli anni Sessanta e Settanta uno dei maggiori protagonisti della Nuova Figurazione, movimento sviluppatosi parallelamente alla Pop art, e dedito all'esplorazione di temi della cultura di massa attraverso un linguaggio pittorico articolato e connotazioni culturali e sociali impegnate.

Nato a Bologna nel 1935, Valerio Adami ha studiato nell’atelier di Felice Carena e all’Accademia di Brera con Achille Funi, vivendo tra Milano, Londra e Parigi. A Londra, entrò in contatto con la Pop art inglese e a Parigi divenne amico di Wifredo Lam e Roberto Matta, influenzando la sua visione tra il surreale e il pop.

Intorno al 1965, Adami si affermò a Parigi tra gli esponenti di punta della Figuration narrative, sviluppando uno stile distintivo con figure, oggetti e ambienti scomposti e ricomposti in articolazioni spaziali destabilizzanti. I miti fondativi della cultura occidentale e i suoi maggiori autori diventarono soggetti privilegiati delle sue composizioni, cariche di metafore visive e risonanze culturali profonde. Le sue opere si distinguono per i colori accesi e i contorni lineari marcati, simili ai disegni dei fumetti e alle vetrate antiche.

La retrospettiva a Palazzo Reale, intitolata "Pittore di idee", mette in evidenza l’equilibrio tra forma visiva e contenuti concettuali. L’interazione costante tra disegno e pittura è fondamentale per comprendere l’opera di Valerio Adami, le sue connessioni tra idee e soggetti. Per questo motivo, l’esposizione include una selezione di accuratissimi disegni, considerati dall'artista allo stesso livello dei dipinti.

Tra le opere, la monumentale tela "Uovo rotto" del 1963, esempio emblematico della fase pop di Adami, il mitologico "Enea fugge da Troia con il padre Anchise" e i ritratti di figure storiche come Sigmund Freud e Walter Benjamin.

Questa retrospettiva è un'occasione unica per avere una panoramica completa della carriera di Valerio Adami, scoprendo la sua capacità di fondere arte e intellettualismo in un linguaggio visivo unico e profondamente significativo.

Aperta fino al 22 settembre.

Nato a Mosca nel 1866, iniziò la sua carriera artistica relativamente tardi, dopo aver studiato legge ed economia. Tuttavia, fu la sua passione per la pittura e la musica a guidarlo verso una vita dedicata all'arte. Trasferitosi a Monaco di Baviera nel 1896, iniziò a studiare all'Accademia di Belle Arti, dove sviluppò il suo stile unico che avrebbe rivoluzionato il mondo dell'arte moderna.

Kandinsky era fortemente influenzato dalla musica, in particolare dalle opere di Wagner, che cercava di tradurre in termini visivi. Questa sinestesia tra suono e colore divenne un tratto distintivo del suo lavoro. Il suo famoso saggio "Lo spirituale nell'arte" del 1911 teorizza che l'arte dovrebbe esprimere la spiritualità interiore dell'artista attraverso forme e colori astratti.

Nel 1911, Kandinsky, insieme a Franz Marc, fondò il movimento del Der Blaue Reiter (Il Cavaliere Azzurro), un gruppo di artisti che condividevano l'interesse per l'arte astratta e spirituale. Questo periodo fu estremamente prolifico per Kandinsky, che creò alcune delle sue opere più iconiche, caratterizzate da composizioni complesse di forme e colori che miravano a evocare emozioni profonde e spirituali.

Durante la sua permanenza a Weimar e Dessau, Kandinsky insegnò al Bauhaus, dove continuò a esplorare e sviluppare i principi dell'astrattismo. Le sue teorie sull'uso del colore e della forma influenzarono profondamente il design moderno e l'architettura.

Kandinsky ha dimostrato che il colore poteva essere utilizzato in modo non rappresentativo per esprimere emozioni e stati d'animo. Questo approccio ha influenzato molti movimenti successivi, tra cui l'Espressionismo Astratto con artisti come Jackson Pollock e Mark Rothko, che hanno adottato e ampliato le idee di Kandinsky sull'uso emotivo del colore e delle forme astratte. Figure come Piet Mondrian e Agnes Martin hanno continuato a esplorare l'uso della forma e del colore per esprimere e scoprire realtà umane più profonde, anche con aspirazioni spirituali.

Inoltre, con la sua passione per la musica, Kandinsky ha ispirato molti artisti contemporanei a esplorare la sinestesia e l'interconnessione tra arti diverse. Un chiaro esempio è la produzione di Gerhard Richter, che ha sperimentato con l'idea di creare opere che evocano un senso di musicalità e movimento attraverso l'uso del colore e della forma.

Cy Twombly e Jean-Michel Basquiat sono stati influenzati nella sfera del “segno” e della “linea” all’interno di opere astratte, ed hanno così sviluppato un linguaggio visivo ricco di segni gestuali e calligrafici.

Wassily Kandinsky non solo ha rivoluzionato l'arte con la sua introduzione dell'astrattismo, ma ha anche lasciato un'eredità duratura che continua a influenzare profondamente l'arte contemporanea. La sua visione radicale di un'arte che trascende la rappresentazione figurativa per esplorare l'interiorità, la spiritualità e l'emozione attraverso l'uso di colore, forma e linea, rimane un punto di riferimento fondamentale per chiunque cerchi di comprendere e sviluppare l'arte contemporanea.

L'H'Art Museum di Amsterdam, in stretta collaborazione con il centro Pompidou di Parigi, offre oggi una grande mostra sul pioniere dell'arte astratta, aperta fino al 10 novembre. Con oltre sessanta capolavori, l'esposizione vuole celebrare il maestro russo e la sua carriera artistica, dagli esordi alle ultime opere, e ricordarne l'estrema importanza per l'evoluzione dell'arte moderna e contemporanea.